Künstlerin /Künstler im Fokus

Ban Lei wurde 1990 in Shanghai, China geboren und lebt heute als Musiker, Klangkünstler und bildender Künstler in Genf. Bekannt ist er seit 2016 unter seinem Künstlernamen «BANBANBANBAN» auch als Soundartist. Interaktive Installationen, Klangskulpturen, selbstgebaute Instrumente und experimentelle Musik stehen im Zentrum seiner Arbeit. Mittels einer sich selbst steuernden, künstlichen Intelligenz versucht Ban Lei, «neue (Klang)-Dimensionen» jenseits der uns bekannten zu erschaffen.

Ban Leis Forschung konzentriert sich auf die innere Logik des Klangs, wenn dieser eine nichtsprachliche Form annimmt. Seine Werke erreichen ein gewisses Mass an Ausgewogenheit durch das Experimentieren mit den Materialien selbst sowie durch methodische Ergänzungen und Streichungen. 

Seine selbstgebauten Instrumente erscheinen als skulpturale Ensembles im Raum: Durch Aufführung und Interaktion erzeugen sie ein stilles Einverständnis zwischen Autor und Betrachter. Als Symbol für die filigranen Apparaturen, die er speziell für die diesjährige Schlossmediale entwickelt hat, stehen die Schriftzeichen ⽊⾳ (Holz/Klang) und ⻛林 (Wind/Wald). Indem er aus dem, was die Natur in ihrer einfachsten Form zu geben hat, Musikinstrumente entwickelt, hofft Ban Lei, aufzeigen zu können, wie man mit zukünftigen Herausforderungen umgehen kann.

Auch als Künstler im Fokus steht in in diesem Jahr ein Team im Zentrum: Der britisch-holländische Künstler William Speakman und die Schweizer Choreographin Sabine Hausherr schaffen mit ihren Projekten an der Grenze von Tanzperformance und Installation eine einzigartige Verbindung von Raum und Bewegung. Speakmens Installationen sind stets körperlich wahrnehmbare Orte und Räume, die sich einen direkten Weg in das Bewusstsein der Zuschauer suchen. Choreografie und körperliches Geschehen, Bühnenraum und Musik verschmelzen in den Werken der beiden zu einem Ganzen: Das Publikum ist ganz vom Kunstwerk umgeben und erlebt dessen Wirkung unmittelbar.

Im Schloss definieren Speakman und Hausherr Dimensionen von Enge und Weite neu: mit Räumen als Hüllen, klaustrophobischen Kleinsträume, beruhigenden Schutzräumen. In einem Video wird eine Unterwasserwelt gespiegelt: der Mikrokosmos wird zum Makrokosmos.

Die Sprache von Sabine Hausherrs Choreographien ist geprägt von minimaler Bewegung, Enge und Klaustrophobie. Für die Performance «Insideout Upsidedown» wird eine grosse Box ins Schloss gebaut, in die sich die Tänzerinnen quetschen werden: nach einem Jahr Corona-Erfahrungen ein physisch fast unerträgliches Erlebnis. Das Publikum kann diese Enge mittels Live-Film miterleben.

Heiner Goebbels ist ein Künstler, der sich nicht um die Schubladen der E- und U-Musik schert, der sich in seiner Kreati­vität keine Grenzen setzt oder setzen lässt. Goebbels macht Musik visuell erlebbar, komponiert nicht nur in Noten, sondern auch in Bildern - und ist daher Künstler und Komponist im Fokus der Schlossmediale zugleich.

Bei Goebbels' Kompositionen aus Klang und Musik, Licht und Raum, Bewegung, Objekten, Texten und Stimmen liegt der Gedanke an Wagners einst revolutionäre Idee von der Verschmelzung der Künste zwar nahe; dennoch zielen Goebbels' Ar­beiten nie auf eine – wie auch immer ge­ar­tete – «Totalität der Sinne» ab: Nicht verbinden sollen sich die Künste, son­dern ausdrücklich im gleichen Raum ko­existieren. Sie sollen miteinander auf­treten, sich widersprechen und sich an­einander reiben. Mit dieser Heran­gehens­weise an das Theater hat der 1952 in Deutschland geborene Musiker und Komponist seit dem Ende der 1980er Jahre den Horizont für ein zeit­genössisches Musiktheater fast im Alleingang abgesteckt.

Je nach Fokus des Stücks verwendet Goebbels für seine Arbeiten verschie­de­ne Bezeichnungen: Ob «Musiktheater», «szenisches Konzert» oder «performative Installation» - immer trennt er die Mittel und gibt ihnen auf der Bühne einen ei­genen Raum, wo sie wahrgenommen, ge­hört und gesehen werden können. Kei­ne konventionellen Konzerte erlebt das Publikum bei Goebbels Werken, sondern die Musik wird regelrecht inszeniert.

www.heinergoebbels.de

Bruno Walpoth stammt aus der Tradition der Holzschnitzkunst des Grödnertals in Südtirol. Schon sein Grossvater und sein Onkel widmeten sich diesem Handwerk. Walpoth folgte ihrem Vorbild, schuf aber eine aus der Tradition heraus weiterent­wickelte, eigenständige Kunstform: Sei­nen Werken innewohnend ist die stete Frage, wie und wann das Kunsthandwerk hinüberwandert in die unberechenbare Welt des Kunstmarktes.

Walpoth kreiert menschliche Skulpturen aus Holz. Seine Figuren erscheinen oft wie tief in Gedanken versunken, geistes­abwesend, verloren in einer eigenen Welt. Ihre physische Anwesenheit lässt Nähe zu, mit ihnen in direkten Kontakt zu treten ist dennoch kaum möglich: Es ist als würden sie die mittelbare Konfron­ta­tion scheuen, sie weichen aus, lassen Interaktion nicht zu. Versucht man den Gemütszustand der Figuren zu beschrei­ben, so ist es trotz ihres offenen Blicks schwer zu sagen, ob es sich um ein konzentriertes Schauen oder eher um Gleichgültigkeit handelt.

Seine Menschen aus Linden- oder Nussholz entstehen in Begegnung und Auseinandersetzung mit Modellen. Im Massstab 1:1 arbeitet Walpoth Körper, Linien und Formen aus dem Holzblock heraus. Dabei integriert er bewusst die strukturellen Unebenheiten der Hölzer und verbindet so Mensch und Natur in einer gemeinsamen Form. Dabei entsteht kein hyperrealistisches Abbild des Menschen: Gesichtszüge und Körper­formen der Figuren entsprechen zwar jenen der Modelle, charakteristische Eigenheiten nimmt Walpoth in seiner skulpturalen Nachahmung jedoch stark zurück.
www.walpoth.com

Anne-Marie Jehle (geboren 1937 in Feldkirch, gestorben 2000 in Vaduz), Objektkünstlerin, Installations­künstlerin, Zeichnerin, Fotografin, Malerin, trat in ihrem umfangreichen und komplexen Werk gesellschaftskritisch an Aspekte des Alltags heran und reflek­tierte Phänomene der Macht. Sie setzte sich intensiv mit Identität, Geschlechter­gerechtigkeit und Rollenbildern aus­einander, mit dem Privaten als Kern­bereich menschlicher Existenz und dem damit verwobenen weiblichen Alltag.

Jehle widmete sich ab 1965 ausschliesslich der Kunst. In ihrem Oeuvre finden sich Referenzen zu Dada und Surrealismus. Mit den VertreterInnen des Nouveau Réalisme und der Fluxusbewegung stand sie schon sehr früh in Verbindung. Von 1989 – 93 USA-Aufenthalt, ihr künstlerisches Werk bricht jäh ab. 1993 – 2000 wieder in Liechtenstein wohnhaft.

A.M. Jehle - um Determinierungen und Projektionen vorzubeugen signierte sie stets geschlechtsneutral - war eine präzise Beobachterin des traditionell katholisch-konservativen Umfelds in ihrer Heimat Vorarlberg. Sie nahm sich die heiklen Themen vor, das gesellschaftlich Verdrängte und Tabuisierte ihrer Zeit, das sie künstlerisch verdichtete und humorvoll, voller bissiger Ironie offenlegte.

Ein durchgängiges Leitmotiv ist ihre sarkastische wie melancholische Auseinandersetzung mit dem Frausein im Kontext von perfektem Heim und geschmücktem Haus. Eine Frankennote erhält eine Umrandung in Häkelspitze, eine blecherne Küchenschürzenskulptur symbolisiert den statischen Platz der Frau an dem ihr zugewiesenen Ort, eine Genie-Waschmittelpackung versieht sie mit Stilettoabsätzen, aus einem Notenständer und Fragmenten eines Plastiknadelbaums baut sie einen mit Polaroidporträts behangenen Christbaum.

"Wir drei von der Dokumentartheater­­gruppe Rimini Protokoll sind einander Ende der neunziger Jahre beim Studium am Institut für Angewandte Theater­wissenschaft in Giessen begegnet und haben begonnen, gemeinsame Fragestellungen und Ideen in Projekten zu verfolgen. Es gibt da seit jeher verschiedene Arbeitstraditionen und -linien, die wir weiterverfolgen. Deshalb sind wir weniger eine Gruppe oder ein Ensemble oder so etwas, sondern versammeln unsere Arbeiten unter einem gemeinsamen Dachbegriff, einem Label, wie wir es nennen. In der Musik geht es ja auch oft darum, welche unterschiedlichen Werke unter demselben Label versammelt sind. Dieser Logik folgend laufen alle unsere Arbeiten unter diesem Label - egal, ob sie nun von einem einzelnen verantwortet werden, wie EVROS WALK WATER, oder ob wir alle drei daran beteiligt sind.

Der Begriff Protokoll ist uns dabei wichtig als ein Gegenentwurf zum Drama - denn das Protokoll ist eher eine Mitschrift als eine Schöpfung bzw. ist es ein Text, der die künftige Abfolge von Ereignissen organisiert. Beides trifft unsere Arbeitsweise besser - auch wenn gerade im Bereich dessen, was gesagt wird, ab einem bestimmten Punkt häufig sehr präzise gearbeitet wird.

Rimini hat drei i -Laute. Da kommt der Klang zum programmatischen Begriff. Was machen wir so? Dem hier gegebenen Raum entsprechend sag ich mal salopp: Wir folgen Fragestellungen mit Recherchen, Gesprächen, Beobachtungen und versuchen, einen Umgang mit dem, was wir gefunden haben, für Zuschauer so zu organisieren, dass sie damit ihre eigenen Erfahrungen machen. Das heisst, wir haben die vergangenen 15 Jahre vor allem mit Menschen gearbeitet, die mit Kunst sonst wenig am Hut hatten, und mit ihnen Formate erarbeitet, die sich im Kunstkontext behaupten." Daniel Wetzel

Als bildende Künstlerin steht dieses Jahr Lucy Carter im Rampenlicht. Seit vielen Jahren international als Lichtdesignerin tätig, hat sie sich in der für Frauen un­typischen und von Männern dominierten Welt der Bühnen­technik mit ihren gigantisch-poetischen Lichtobjekten und ihrer visionären Sprache durchgesetzt. Die ausgebildete Tänzerin war schon früh von den Lichtchoreografien fasziniert: «I think lighting kind of chose me.»

Carter hat hauptsächlich in den Bereichen Theater, Musiktheater und vor allem Tanz – mit dem Choreografen Wayne McGregor – gearbeitet. 2008 erhielt sie den prestigeträchtigen «Knight of Illumination Award for Dance». Seit kurzem entwirft Carter vermehrt Installa­tionen, die ohne eine Perfor­mance nur für sich stehen. Licht ist für Carter eine Quelle der Inspiration, so wie auch die Frauen, die in ihrem Leben einen ewigen Kreislauf der Unterstützung geformt haben. F.FLUX, ein Auftragswerk der Schlossmediale Werdenberg, steht für die umfassende, immerwährende und befähigende Kraft, die Frauen mit, von und für Frauen erleben. 

Chris Drury lenkt den Blick auf vor­gege­bene, jedoch verborgene Strukturen der Natur, gibt dem Unsichtbaren ein Gesicht, indem er es neu gestaltet und dann wieder in seine Urform zurück­kehren lässt. In seinem kontinuier­lichen Dialog mit der Welt involviert der Künstler auch Wissenschaftler und Forscher aus unterschiedlichen Disziplinen, um somit die Korrelationen unseres Planeten mit jeder Arbeit Schicht um Schicht aufzu­decken. Für die «Schlossmediale Werden­berg» realisierte der Gewinner mehrerer Kunstpreise zwei Arbeiten im Inneren des Schlosses und eine im unmittelbaren Aussenbereich.